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예술가의 자화상-9회
조화로움 속의 품위
황지언 미술칼럼니스트
라파엘로(Raffaello Sanzio da Urbino, 1483~1520)의 자화상을 보면, 조금 의외라는 생각이 듭니다. 르네상스를 대표하는 천재 화가의 자화상이라고 하면, 왠지 더 화려하고 자신감 넘치는 그림을 기대하게 되니까요. 하지만 화면 속 라파엘로는 조용합니다. 우리를 향해 고개를 살짝 돌리고 있지만, 시선은 강하게 밀고 들어오지 않습니다. 표정도 극적이지 않습니다. 젊고 부드러운 얼굴, 검은 모자와 검은 옷, 담백한 배경, 모든 것이 절제되어 있습니다.
라파엘로는 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로와 함께 이탈리아 르네상스의 ‘3대 거장’으로 불립니다. 하지만 세 사람의 개성은 꽤 다릅니다. 다빈치가 ‘신비로운 지성과 끝없는 탐구’의 이미지라면, 미켈란젤로는 ‘거대한 힘과 고통, 육체의 긴장’을 떠올리게 합니다. 그 사이에서 라파엘로는 흔히 ‘조화와 균형의 화가’로 기억됩니다. 그의 그림에는 과장이 적고, 인물들은 부드러우며, 화면은 안정되어 있습니다. 보는 사람을 압도하기보다 편안하게 하는 힘이 있지요.
그의 자화상도 그렇습니다. 이 그림은 “나는 위대한 천재다”라고 외치지 않습니다. 오히려 조용히 말합니다.
“나는 이렇게 보고, 이렇게 느끼고, 이렇게 그리는 사람입니다.”
라파엘로의 자화상에서 가장 먼저 다가오는 것은 자기 자랑이 아니라 ‘품위’입니다. 자신을 크게 꾸미지 않아도 이미 충분하다고 생각하는 화가의 얼굴입니다.
작품이 제작된 시기 라파엘로는 아직 젊은 화가였지만, 이미 자신의 방향을 분명히 잡아가고 있었습니다. 그는 우르비노에서 태어나 피에트로 페루지노의 영향을 받았고, 이후 피렌체에서 레오나르도와 미켈란젤로의 작품을 접하며 빠르게 성장했습니다. 그리고 곧 로마로 가서 교황청의 중요한 작업을 맡게 됩니다. 그러니까 이 자화상은 완성된 거장의 노년 얼굴이 아니라, 막 자신의 길을 찾은 젊은 예술가의 얼굴에 가깝습니다.
그 점이 이 그림을 더 매력적으로 만듭니다. 화면 속 라파엘로는 아직 세상의 모든 것을 가진 사람처럼 보이지 않습니다. 대신 앞으로 나아갈 준비가 된 사람처럼 보입니다. 자신의 재능을 알고 있지만, 그것을 소란스럽게 드러내지 않는 얼굴입니다. 자신감은 있지만 거만하지 않고, 젊음은 있지만 들떠 있지 않습니다. 라파엘로 특유의 균형감이 그의 얼굴에서도 느껴지는 것이지요.
그림의 구성은 매우 단순합니다. 배경은 어둡고, 옷도 검은색에 가깝습니다. 그래서 시선은 자연스럽게 얼굴로 모입니다. 화려한 장신구도, 특별한 소품도 없습니다. 붓이나 팔레트를 들고 있지도 않습니다. 이게 매우 흥미로운 점인데요. 고전적인 자화상에서 화가는 자신이 화가임을 보여주기 위한 장치들과 함께 자신을 그리는 경우가 많습니다. 하지만 라파엘로는 굳이 그렇게 하지 않았습니다. 그는 자신을 직업의 상징으로 설명하지 않고, 얼굴과 시선만으로 보여주고 있는 것이지요.
이것은 라파엘로의 회화 세계관과도 잘 맞습니다. 라파엘로의 그림은 언제나 ‘과하지 않음’이 중요합니다. 너무 슬프지도, 너무 격렬하지도, 너무 장식적이지도 않습니다. 대신 인물과 공간, 감정과 구도가 서로 어긋나지 않게 조화를 이룹니다. 그의 대표작인 <아테네 학당>을 보면, 수많은 철학자가 등장하지만, 화면은 혼란스럽지 않습니다. 성모자를 소재로 한 그림들에서도 아이와 어머니의 감정은 따뜻하지만 지나치게 감상적이지 않습니다. 라파엘로는 언제나 감정을 질서 안에 넣을 줄 알았습니다.
이 자화상에서도 마찬가지입니다. 그는 자기 자신조차 하나의 조화로운 이미지로 정리해 그려냈습니다. 그래서 이 그림은 단순한 얼굴 그림이 아니라, 라파엘로의 미학을 압축한 작은 선언처럼 보입니다.
“아름다움은 과장하는 데 있지 않다. 서로 어울리는 데 있다.”
그의 얼굴은 그렇게 말하는 듯합니다.
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